Espectáculo: Macbeth
Compañía: Cheek by Jowl
Dramaturgo: Shakespeare
Lugar: Theatre Royal, Brighton
Fecha: 15/5/2010
Dirección: Declan Donnellan
Diseño: Nick Ormerod
La conocida tragedia shakesperiana de ambición y venganza es releída por la emprendedora compañía Cheek by Jowl. El mundo de fantasmas, brujas y apariciones del Macbeth tradicional se convierte en sombras y sonidos repartidos por el escenario. El negro predomina, la voz predomina, el gesto predomina. El escenario está limpio de todo lo superfluo y los actores visten un negro riguroso que ni la sangre manchará. La sangre, esos ríos de sangre que inundan Macbeth, se “miman” en vez de mostrarse. De este modo, vemos cómo Macbeth junta sus manos con las de su amada, las dos llenas de una sangre invisible que el espectador no ve pero siente. Paralelamente, las muertes en escena son de una delicada dulzura. Un gesto basta para dar muerte a Lady Macbeth y que ella misma se ponga de pie y desaparezca de escena con la levedad de una pluma.
La producción de Cheek by Jowl a optado por una Lady Macbeth que le saca una cabeza a un Macbeth cuya presencia es más la de un hombre débil y escuálido que la de el ambicioso Macbeth que no ha de morir a manos de hombre nacido de mujer. Es la sed de poder de ella la que empuja a su marido a dar pie a las muertes que lo conducirán al trono, lo cual supone una lectura totalmente razonable del texto shakesperiano.
Un par de escenas musicales suavizan el tragedión al que nos enfrentamos, a la vez que sirven para relajar al espectador y hacerle olvidar un poco lo negro de la escena y los sangrientos acontecimientos. Si bien el escenario es despoja de todo lo superfluo y el color es negado para fijar nuestra atención en la interpretación de los actores, la iluminación tiene un papel esencial como creadora de espacios. Eso sí, espacios limitados. Sólo luces azules, amarillas y blancas para escenificar el castillo, la noche y el bosque.
Nadie interpreta a las brujas ni al bosque, sino que la magia de la obra es representada bien mediante escenas corales o bien se obvia para acentuar la locura de Macbeth. Eso sí, el bosque, una vez que cobre vida, será el lugar donde Macduff, el no nacido de mujer, de por fin muerte al ambicioso Macbeth.
10/5/11
11 & 12
Espectáculo: 11 & 12
Compañía: Théatre des Bouffes du Nord
Lugar: Barbican Centre, Londres
Fecha: 17 Febrero 2010
Dirección: Peter Brook
Qué decir de “11 & 12”, el último espectáculo de Peter Brook. Supongo que al tratarse de mi primera obra de tan renombrado director me es difícil ser imparcial, e imposible comparar con otros trabajos suyos, de modo que adivino que esto más que una crítica va a ser un repaso estudiantil de la teoría y práctica de Brook. Si algo me ha gustado de “11 & 12” es que he descubierto que es posible, que todo aquello que estudié sobre él no es palabrería, él lo hace. Brook planta en escena su “escenario vacío” y lo llena de varones de diferentes nacionalidades, distintos acentos, distintos colores, que interpretan cualquier papel posible con la naturalidad y maestría del buen actor. Stanislavski perfectamente aplicado en la interpretación y un poco de Brech y su distanciamiento en el espectáculo. La obra era conducida por el actor principal, quien tan pronto narraba su propia historia directamente al público como participaba de la acción en escena. La historia, tan simple que nadie diría que se pudiese hacer una obra de ella, versaba sobre la discusión sobre si cierto rezo debía ser repetido 11 ó 12 veces. No obstante, el argumento iba más allá, tratando temas como el colonialismo francés en África, la violencia y la verdadera tolerancia.
La música en directo y una mezcla de colores un tanto extraña, aunque acertada, creaban la estética cálida, acogedora e inmensa de la escena. La obra acabó de forma inesperada, creando un silencio en el público que duró algo más de dos minutos. Dos minutos de perplejidad, dos minutos de no saber qué había pasado exactamente, si eso era el final o si los actores volverían a aparecer en la escena todavía iluminada. Dos minutos de recogimiento, de expectación ante lo que había pasado. Los aplausos estallaron al poco, no demasiado entusiastas, no demasiado largos. Puedo asegurar que no ha sido la mejor obra de mi vida, desde luego, pero quizá sí una de las llamémoslas “experiencias teatrales” más importantes. Ver la teoría puesta en práctica sin excesiva traición es causa de admiración, y si el efecto en la audiencia es el que el director desea, en ese caso uno no tiene más que quitarse el sombrero, fuera o no una gran obra, la maestría de su dirección y el equipo de des Bouffes du Nord es innegable.
Compañía: Théatre des Bouffes du Nord
Lugar: Barbican Centre, Londres
Fecha: 17 Febrero 2010
Dirección: Peter Brook
Qué decir de “11 & 12”, el último espectáculo de Peter Brook. Supongo que al tratarse de mi primera obra de tan renombrado director me es difícil ser imparcial, e imposible comparar con otros trabajos suyos, de modo que adivino que esto más que una crítica va a ser un repaso estudiantil de la teoría y práctica de Brook. Si algo me ha gustado de “11 & 12” es que he descubierto que es posible, que todo aquello que estudié sobre él no es palabrería, él lo hace. Brook planta en escena su “escenario vacío” y lo llena de varones de diferentes nacionalidades, distintos acentos, distintos colores, que interpretan cualquier papel posible con la naturalidad y maestría del buen actor. Stanislavski perfectamente aplicado en la interpretación y un poco de Brech y su distanciamiento en el espectáculo. La obra era conducida por el actor principal, quien tan pronto narraba su propia historia directamente al público como participaba de la acción en escena. La historia, tan simple que nadie diría que se pudiese hacer una obra de ella, versaba sobre la discusión sobre si cierto rezo debía ser repetido 11 ó 12 veces. No obstante, el argumento iba más allá, tratando temas como el colonialismo francés en África, la violencia y la verdadera tolerancia.
La música en directo y una mezcla de colores un tanto extraña, aunque acertada, creaban la estética cálida, acogedora e inmensa de la escena. La obra acabó de forma inesperada, creando un silencio en el público que duró algo más de dos minutos. Dos minutos de perplejidad, dos minutos de no saber qué había pasado exactamente, si eso era el final o si los actores volverían a aparecer en la escena todavía iluminada. Dos minutos de recogimiento, de expectación ante lo que había pasado. Los aplausos estallaron al poco, no demasiado entusiastas, no demasiado largos. Puedo asegurar que no ha sido la mejor obra de mi vida, desde luego, pero quizá sí una de las llamémoslas “experiencias teatrales” más importantes. Ver la teoría puesta en práctica sin excesiva traición es causa de admiración, y si el efecto en la audiencia es el que el director desea, en ese caso uno no tiene más que quitarse el sombrero, fuera o no una gran obra, la maestría de su dirección y el equipo de des Bouffes du Nord es innegable.
4.48 Psichosis
Espectáculo: 4.48 Psychosis
Dramaturgo: Sarah Kane
Compañía: TR Warszawa
Lugar: Barbican Centre, Londres
Fecha: 24/3/2010
Dirección: Grzegprz Karzyna
Reparto: Magdalena Cieleka, Katarzyna Herman, Mariusz Benoit, Fafal Mackowiak, Janusz Chabior, Teresa Owczynnikow.
4.48 a.m. is when the will t olive is at its lowest ebb. (A las 4.48 de la mañana es cuando la voluntad de vivir se encuentra en su punto más bajo) Esta es la justificación que su autora, Sarah Kane, da al título de la obra. En esta representación de 4.48 Psychosys el público se enfrenta-casi literalmente debido a la violencia de la escena-, al sufrimiento aterrador de la protagonista de en mitad de un episodio psicosis. A lo largo de la obra, la protagonista se encuentra con una serie de personajes que intentan hacerla razonar sin fruto alguno. Su amante femenina, un amigo cercano, un doctor y una ajada paciente son los, más que personajes, “figuras” que intentan interactuar con su locura. Pero las palabras raciocinio poco tienen que ver con el discurso de ella, hecho de prosa poética con forma cíclica.
“Ámame” o “que os jodan a todos” son las palabras más repetidas por ella a lo largo de la obra, dichas, eso sí, en polaco, al que ha sido traducida la obra para esta versión y que se traduce al inglés en subtítulos en pantallas colocadas sobre la escena. Mucho podría decirse del uso de subtítulos en el teatro, sobre todo cuando no se trata de un clásico conocido por el público, centrándonos en esta representación, si bien es cierto que hacen que el espectador pierda parte de la concentración en la escena, también es cierto que el que se represente en polaco hace que cobre quizá más fuerza debido a la sonoridad de dicha lengua. No obstante, probablemente la mejor escena de la obra es aquella en la que los subtítulos desaparecen, haciendo que el público se enfrente desprotegido a las palabras de locura de una loca cuya lengua no entienden.
Si algo cabe que destacar de esta puesta en escena, son las imágenes conseguidas mediante la escenografía y la iluminación. Fotografías perfectas en las que los actores parecen estar a mitad de camino entre la actuación y la performance, imágenes que bien caben en un teatro pero que parecen haber escapado de una galería de arte contemporáneo. El uso de números proyectados en las paredes, voces en off que parecen a veces luchar contra la protagonista, a veces numerar y clasificar los acontecimientos, ayudan a incrementar esa sensación.
Una representación mórbida de una obra no menos mórbida. Quizá las masturbaciones en escena se quedan lejos de conseguir el efecto escandalizador que pretenden, pero el derramamiento de sangre de las muñecas de la protagonista, su desfallecimiento contra los muros o el toqueteo al cuerpo de una niña sin duda consiguen remover las tripas del más insensible de los espectadores.
Dramaturgo: Sarah Kane
Compañía: TR Warszawa
Lugar: Barbican Centre, Londres
Fecha: 24/3/2010
Dirección: Grzegprz Karzyna
Reparto: Magdalena Cieleka, Katarzyna Herman, Mariusz Benoit, Fafal Mackowiak, Janusz Chabior, Teresa Owczynnikow.
4.48 a.m. is when the will t olive is at its lowest ebb. (A las 4.48 de la mañana es cuando la voluntad de vivir se encuentra en su punto más bajo) Esta es la justificación que su autora, Sarah Kane, da al título de la obra. En esta representación de 4.48 Psychosys el público se enfrenta-casi literalmente debido a la violencia de la escena-, al sufrimiento aterrador de la protagonista de en mitad de un episodio psicosis. A lo largo de la obra, la protagonista se encuentra con una serie de personajes que intentan hacerla razonar sin fruto alguno. Su amante femenina, un amigo cercano, un doctor y una ajada paciente son los, más que personajes, “figuras” que intentan interactuar con su locura. Pero las palabras raciocinio poco tienen que ver con el discurso de ella, hecho de prosa poética con forma cíclica.
“Ámame” o “que os jodan a todos” son las palabras más repetidas por ella a lo largo de la obra, dichas, eso sí, en polaco, al que ha sido traducida la obra para esta versión y que se traduce al inglés en subtítulos en pantallas colocadas sobre la escena. Mucho podría decirse del uso de subtítulos en el teatro, sobre todo cuando no se trata de un clásico conocido por el público, centrándonos en esta representación, si bien es cierto que hacen que el espectador pierda parte de la concentración en la escena, también es cierto que el que se represente en polaco hace que cobre quizá más fuerza debido a la sonoridad de dicha lengua. No obstante, probablemente la mejor escena de la obra es aquella en la que los subtítulos desaparecen, haciendo que el público se enfrente desprotegido a las palabras de locura de una loca cuya lengua no entienden.
Si algo cabe que destacar de esta puesta en escena, son las imágenes conseguidas mediante la escenografía y la iluminación. Fotografías perfectas en las que los actores parecen estar a mitad de camino entre la actuación y la performance, imágenes que bien caben en un teatro pero que parecen haber escapado de una galería de arte contemporáneo. El uso de números proyectados en las paredes, voces en off que parecen a veces luchar contra la protagonista, a veces numerar y clasificar los acontecimientos, ayudan a incrementar esa sensación.
Una representación mórbida de una obra no menos mórbida. Quizá las masturbaciones en escena se quedan lejos de conseguir el efecto escandalizador que pretenden, pero el derramamiento de sangre de las muñecas de la protagonista, su desfallecimiento contra los muros o el toqueteo al cuerpo de una niña sin duda consiguen remover las tripas del más insensible de los espectadores.
Salomé
Espectáculo: Salomé
Compañía: Headlong and Curve Theatre
Dramaturgo: Oscar Wilde
Lugar: Hampsted Theatre, Londres
Fecha: 28/06/2010
Dirección: Jamie Lloyd
Reparto: Zawe Ashton, Richard Cant, Vyelle Croom, Sam Donovan, Jaye Griffiths, Con O’Neill, Nitzan Sharron, Tom Byam Shaw, Seun Shote, Tim Steed.
La “Salomé” de Oscar Wilde debe ser, sin duda, una pieza difícil. De ahí de que las dos veces que la he visto llevar a escena esta obra ninguna de ellas haya conseguido cautivarme, lo que sí hace el texto por sí solo. Si bien el primer montaje al que asistí, con María Adánez y Millán Salcedo, fue espantoso, esta producción de Headlong and Curve Theatre se acerca algo más a lo delicioso de montar esta creación de Wilde.
La estética elegida para esta puesta en escena es la consabida y grisácea imagen que dan los pantalones y botas militares de los que parece haberse apropiado el teatro contemporáneo. Además de eso, el escenario estaba lleno de goma quemada, asfalto y líquidos químicos varios. Trajes llenos de grasa y andamios donde se situaban las luces y entre los que “jugaban” los actores.
Pese a que pintaba estar muy bien, en la primera parte –hasta llegar a la danza danza de los siete velos de la princesa al Patriarca-, la interpretación de los actores era, aunque no mala, sí cuestionable. Demasiadas revoluciones por segundo, demasiada rapidez, un ritmo excesivo que hacía perder todo sentido poético al texto. Así mismo, el enfoque elegido para la sensual Salomé distaba mucho de ser sensual, sino que caía en una voluptuosidad vulgar poco creíble a la par que irrisoria y de mal gusto.
La cosa se fue arreglando con la aparición del Patriarca y Herodías, ambos ataviados con los grasientos monos de mecánico que lucen todos los personajes, pero con el a ñadido de llevar las caras maquilladas a modo de mimos. El Patriarca y Herodías, esa extraña pareja que por alguna razón recuerdan en esta producción a Ubú y su esposa. Si cabe destacar la pieza clave de esta producción es, sin duda, el actor que interpreta a Herodes. Todo el deseo, lujuria y poder de este personaje se traducen en una marcada bisexualidad, se nos muestra un Patriarca atraido tanco como por la Salomé de sus sueños y pecado como por sus propios soldados.
La danza de la deliciosa Salomé pone sin duda punto y aparte en la obra. Pese a tratarse de una danza vulgar muy lejos de la lujuria sofisticada que la danza de los siete velos pueda suscitar, este baile hosco e implícitamente sexual durante el cual el Patriarca se deleita con la mano dentro de su pantalón y Herodías se repugna ante la lascivia de su hija, es sin duda una visión diferente y, por qué no, acertada de la historia clásica. A partir de aquí, la lasciva y demasiado adolescente Salomé transforma su interpretación para pasar a ser la caprichosa y enloquecida mujer que pide a gritos la cabeza de Jokaanan.
Durante toda la representación se juega con líquidos en los cuerpos de los actores: alquitrán, sangre o incluso un Jokaanan bañado en plata. La escena final, con Salomé al borde del escenario besando los labios sin vida del profeta, merece sin duda el aplauso y hace olvidar, aunque no perdonar del todo, los fallos de la primera parte.
Compañía: Headlong and Curve Theatre
Dramaturgo: Oscar Wilde
Lugar: Hampsted Theatre, Londres
Fecha: 28/06/2010
Dirección: Jamie Lloyd
Reparto: Zawe Ashton, Richard Cant, Vyelle Croom, Sam Donovan, Jaye Griffiths, Con O’Neill, Nitzan Sharron, Tom Byam Shaw, Seun Shote, Tim Steed.
La “Salomé” de Oscar Wilde debe ser, sin duda, una pieza difícil. De ahí de que las dos veces que la he visto llevar a escena esta obra ninguna de ellas haya conseguido cautivarme, lo que sí hace el texto por sí solo. Si bien el primer montaje al que asistí, con María Adánez y Millán Salcedo, fue espantoso, esta producción de Headlong and Curve Theatre se acerca algo más a lo delicioso de montar esta creación de Wilde.
La estética elegida para esta puesta en escena es la consabida y grisácea imagen que dan los pantalones y botas militares de los que parece haberse apropiado el teatro contemporáneo. Además de eso, el escenario estaba lleno de goma quemada, asfalto y líquidos químicos varios. Trajes llenos de grasa y andamios donde se situaban las luces y entre los que “jugaban” los actores.
Pese a que pintaba estar muy bien, en la primera parte –hasta llegar a la danza danza de los siete velos de la princesa al Patriarca-, la interpretación de los actores era, aunque no mala, sí cuestionable. Demasiadas revoluciones por segundo, demasiada rapidez, un ritmo excesivo que hacía perder todo sentido poético al texto. Así mismo, el enfoque elegido para la sensual Salomé distaba mucho de ser sensual, sino que caía en una voluptuosidad vulgar poco creíble a la par que irrisoria y de mal gusto.
La cosa se fue arreglando con la aparición del Patriarca y Herodías, ambos ataviados con los grasientos monos de mecánico que lucen todos los personajes, pero con el a ñadido de llevar las caras maquilladas a modo de mimos. El Patriarca y Herodías, esa extraña pareja que por alguna razón recuerdan en esta producción a Ubú y su esposa. Si cabe destacar la pieza clave de esta producción es, sin duda, el actor que interpreta a Herodes. Todo el deseo, lujuria y poder de este personaje se traducen en una marcada bisexualidad, se nos muestra un Patriarca atraido tanco como por la Salomé de sus sueños y pecado como por sus propios soldados.
La danza de la deliciosa Salomé pone sin duda punto y aparte en la obra. Pese a tratarse de una danza vulgar muy lejos de la lujuria sofisticada que la danza de los siete velos pueda suscitar, este baile hosco e implícitamente sexual durante el cual el Patriarca se deleita con la mano dentro de su pantalón y Herodías se repugna ante la lascivia de su hija, es sin duda una visión diferente y, por qué no, acertada de la historia clásica. A partir de aquí, la lasciva y demasiado adolescente Salomé transforma su interpretación para pasar a ser la caprichosa y enloquecida mujer que pide a gritos la cabeza de Jokaanan.
Durante toda la representación se juega con líquidos en los cuerpos de los actores: alquitrán, sangre o incluso un Jokaanan bañado en plata. La escena final, con Salomé al borde del escenario besando los labios sin vida del profeta, merece sin duda el aplauso y hace olvidar, aunque no perdonar del todo, los fallos de la primera parte.
Spring Storm
Espectáculo: Spring Storm (Tormenta de Primavera)
Producida por The National Theatre y the Royal & Derngate Northampton Theatre
Dramaturgo: Tennesse Williams
Lugar: Nacional Theatre, Londres
Fecha: 28/04/2010
Dirección: Laurie Sansom
Reparto: Liz White, Michael Thomson, Janice McKenzie, Michael Malarkey, Anna Tolputt, Jacqueline King, Joanna Bacon, James Jordan, Gavin harrison, Janice McKenzie, Ailish Symons y Steven France.
En la primera parte de la obra de Tennesse Williams se introduce la historia de una chica de buena familia, un hombre inquieto y aventurero, un amor, otro hombre que traduce su odio en amor. Tenemos ante nosotros a un amante frente a un admirador extraño y desesperado. En la segunda parte será donde se desaten las pasiones, ella ha de decidir a quién ama y a quién sigue. El argumento se hila gracias a las tormentas de primavera que llueven durante la obra, tormentas de agua que lloverán sobre tormentas de sentimientos. Los relámpagos y la vida tienen mucho que ver en la obra de Tennesse. En paralelo a la historia principal se nos cuenta la tragedia de la bibliotecaria de esta pequeña ciudad en el sur de Estados Unidos. Ella es una joven marchita que nunca conoció el amor más que de mano de los libros.
El montaje de Spring Storm del Northampton Theatre con la colaboración del Nacional Theatre diferencia claramente estas dos partes, centrando la atención en lo narrativo en la primera parte y dejando caer todo el peso simbólico de la puesta en escena en la segunda, donde la violencia se desata cual tormenta de primavera. Laurie Sansom ha sabido dirigir de forma brillante esta obra que el escribió un joven Tennesse cuando aún estudiaba en la universidad. La única posible objeción es que la dirección actoral haya pecado precisamente del texto mismo. Hay dos o tres momentos en los que la representación pedía un poco de respiro, un silencio algo más largo, una tensión no apoyada en las palabras sino potenciada por la atmósfera misma.
El montaje en sí cuenta con algunas ideas brillantísimas, como el uso de una casa derribada como elemento central de una escenografía cargada de objetos ajados tirados aquí y allá. Un decorado que nos enseña que la destrucción puede convertirse en cualquier lugar. La otra idea genial es que cuando Dick llega para dar el ultimátum a Heavenly –te unes a mí o nos separamos para siempre-, él aparece completamente manchado de grasa, mientras que ella luce un vestido virginalmente blanco. Además del contraste suciedad-pureza que esto sugiere, el abrazo y el ruego violento de él mancharán el vestido y el rostro de ella, contaminando su imagen como contaminado está su corazón. Otros puntos fuertes de la obra son, sin duda, la escena de la biblioteca y el beso de Arthur y Heavenly, interrumpido por el sonido del teléfono que comunica el asesinato.
Probablemente sea la escena de la bibliotecaria y Dick la mejor conseguida de toda la representación. Su inicio y su final quedan encuadrados por un cambio en el decorado que al que colaboran todos los personajes, éstos se lanzan libros unos a otros hasta construir la biblioteca sobre dos estantes y un andamio. La muerte de la joven bibliotecaria se acompaña de la brutal caída de los estantes.
El uso de la música, prácticamente presente durante toda la obra con unas melodías dulces más propias de la alegría que del dolor, consigue resaltar el dolor de las escenas de angustia, de lucha por el amor y la vida en este pequeño pueblo del Mississippi.
Ya al final de esta tragedia de amor y primavera, los hombres huyen, el amor se escapa, la caprichosa o enamoradiza Heavenly se resigna a que sigan cayendo la lluvia y los relámpagos.
Producida por The National Theatre y the Royal & Derngate Northampton Theatre
Dramaturgo: Tennesse Williams
Lugar: Nacional Theatre, Londres
Fecha: 28/04/2010
Dirección: Laurie Sansom
Reparto: Liz White, Michael Thomson, Janice McKenzie, Michael Malarkey, Anna Tolputt, Jacqueline King, Joanna Bacon, James Jordan, Gavin harrison, Janice McKenzie, Ailish Symons y Steven France.
En la primera parte de la obra de Tennesse Williams se introduce la historia de una chica de buena familia, un hombre inquieto y aventurero, un amor, otro hombre que traduce su odio en amor. Tenemos ante nosotros a un amante frente a un admirador extraño y desesperado. En la segunda parte será donde se desaten las pasiones, ella ha de decidir a quién ama y a quién sigue. El argumento se hila gracias a las tormentas de primavera que llueven durante la obra, tormentas de agua que lloverán sobre tormentas de sentimientos. Los relámpagos y la vida tienen mucho que ver en la obra de Tennesse. En paralelo a la historia principal se nos cuenta la tragedia de la bibliotecaria de esta pequeña ciudad en el sur de Estados Unidos. Ella es una joven marchita que nunca conoció el amor más que de mano de los libros.
El montaje de Spring Storm del Northampton Theatre con la colaboración del Nacional Theatre diferencia claramente estas dos partes, centrando la atención en lo narrativo en la primera parte y dejando caer todo el peso simbólico de la puesta en escena en la segunda, donde la violencia se desata cual tormenta de primavera. Laurie Sansom ha sabido dirigir de forma brillante esta obra que el escribió un joven Tennesse cuando aún estudiaba en la universidad. La única posible objeción es que la dirección actoral haya pecado precisamente del texto mismo. Hay dos o tres momentos en los que la representación pedía un poco de respiro, un silencio algo más largo, una tensión no apoyada en las palabras sino potenciada por la atmósfera misma.
El montaje en sí cuenta con algunas ideas brillantísimas, como el uso de una casa derribada como elemento central de una escenografía cargada de objetos ajados tirados aquí y allá. Un decorado que nos enseña que la destrucción puede convertirse en cualquier lugar. La otra idea genial es que cuando Dick llega para dar el ultimátum a Heavenly –te unes a mí o nos separamos para siempre-, él aparece completamente manchado de grasa, mientras que ella luce un vestido virginalmente blanco. Además del contraste suciedad-pureza que esto sugiere, el abrazo y el ruego violento de él mancharán el vestido y el rostro de ella, contaminando su imagen como contaminado está su corazón. Otros puntos fuertes de la obra son, sin duda, la escena de la biblioteca y el beso de Arthur y Heavenly, interrumpido por el sonido del teléfono que comunica el asesinato.
Probablemente sea la escena de la bibliotecaria y Dick la mejor conseguida de toda la representación. Su inicio y su final quedan encuadrados por un cambio en el decorado que al que colaboran todos los personajes, éstos se lanzan libros unos a otros hasta construir la biblioteca sobre dos estantes y un andamio. La muerte de la joven bibliotecaria se acompaña de la brutal caída de los estantes.
El uso de la música, prácticamente presente durante toda la obra con unas melodías dulces más propias de la alegría que del dolor, consigue resaltar el dolor de las escenas de angustia, de lucha por el amor y la vida en este pequeño pueblo del Mississippi.
Ya al final de esta tragedia de amor y primavera, los hombres huyen, el amor se escapa, la caprichosa o enamoradiza Heavenly se resigna a que sigan cayendo la lluvia y los relámpagos.
The Whisky Taster
Espectáculo: The Whisky Taster
Compañía: The Alternative Theatre Company (Bush Theatre)
Dramaturgo: James Graham
Lugar: Bush Theatre, Londres
Fecha: 03/02/2010
Dirección: James Grieve
Reparto:
Samuel Barnett, Chirs Larkin, Simon Merrells, Kate O´Flyn and John Stahl.
No sé si el sentimiento de euforia teatral desde que viene a Londres tiene que ver con los espectáculos o con los espacios. El descubrimiento del Royal Albert Hall la semana pasada sin duda engrandeció el espectáculo del Circo del Sol. Esta semana, el pequeño teatro de barrio de Shepherd´s Bush, el Bush Theatre, ha vuelto a conquistarme. Una sala diminuta y escandida entre un gran pub irlandés y otra sala de espectáculos masas patrocinada por O2. La sala no es más que un espacio cuadrado habilitado de manera que se pueda variar la disposición escenario-público como la obra requiera. Sus pequeñas dimensiones (solo caben unos 70 espectadores por espectáculos) hacen que la experiencia teatral cobre cercanía y magia.
El Bush Theatre acogía esta noche “The Whisky Taster” , de James Graham. James es un muy joven dramaturgo que, como otros, inició su carrera escribiendo para teatros de la capital. La obra trata de un joven agente de publicidad sinestésico, que ve lo que saborea y siente lo que escucha. Una copa de vodka para él será gris, verde o azul. Un poco de whiskey sabrá a Noviembre, los colores de las líneas del metro del Londres personificarán la perfección. Él joven se enamora de su compañera de trabajo, una chica inglesa (de esas que hablan muy muy rápido y a las que a los extranjeros nos es casi imposible entender) desenvuelta y elocuente, pero comprometida en matrimonio y sin haberse fijado nunca sexualmente en el joven. El joven, que además de sinestésico es extremadamente tímido, necesitará el empujón de un catador de whisky recién llegado de Escocia para lanzarse y mostrar sus sentimientos a la chica.
“The Whisky Taster” se vale de cuatro personajes para contarnos su historia: el joven, la chica, el catador de whisky y el jefe de la agencia de publicidad. Cada personaje –y cada actor- brilla por su marcada personalidad y caracterización. El actor que interpreta al joven sinestésico muestra desde el principio su doble cara de compañero y enamorado, con rasgos casi femeninos que luego tomarán relevancia. Ella, entusiasta y locuaz, es capaz de intentar engañar a los demás personajes, pero no al público que lee en sus ojos y sus cigarros todos sus sentimientos. En cuanto al catador de whisky, cuando aparece en escena con su falda escocesa, sus piernas peludas y su marcado acento escocés, uno se da cuenta de por qué han etiquetado la obra de “comedia”. En resumidas cuentas, un trabajo actoral intachable, un texto bastante bueno –con momentos de sobresaliente, como el monólogo del protagonista sobre el plano de las líneas del metro de Londres–, y un decorado simple, adecuado a los tiempos del teatro actual: unos tubos de neón de colores (todos ellos con los colores de las líneas del metro londinense), formando una caja en la que se desarrolla la acción. Los colores de los tubos cambiaban para intentar plasmar los sentimientos del joven sinestésico, haciendo así partícipe al público de la experiencia de colorear sabores y sentimientos.
Compañía: The Alternative Theatre Company (Bush Theatre)
Dramaturgo: James Graham
Lugar: Bush Theatre, Londres
Fecha: 03/02/2010
Dirección: James Grieve
Reparto:
Samuel Barnett, Chirs Larkin, Simon Merrells, Kate O´Flyn and John Stahl.
No sé si el sentimiento de euforia teatral desde que viene a Londres tiene que ver con los espectáculos o con los espacios. El descubrimiento del Royal Albert Hall la semana pasada sin duda engrandeció el espectáculo del Circo del Sol. Esta semana, el pequeño teatro de barrio de Shepherd´s Bush, el Bush Theatre, ha vuelto a conquistarme. Una sala diminuta y escandida entre un gran pub irlandés y otra sala de espectáculos masas patrocinada por O2. La sala no es más que un espacio cuadrado habilitado de manera que se pueda variar la disposición escenario-público como la obra requiera. Sus pequeñas dimensiones (solo caben unos 70 espectadores por espectáculos) hacen que la experiencia teatral cobre cercanía y magia.
El Bush Theatre acogía esta noche “The Whisky Taster” , de James Graham. James es un muy joven dramaturgo que, como otros, inició su carrera escribiendo para teatros de la capital. La obra trata de un joven agente de publicidad sinestésico, que ve lo que saborea y siente lo que escucha. Una copa de vodka para él será gris, verde o azul. Un poco de whiskey sabrá a Noviembre, los colores de las líneas del metro del Londres personificarán la perfección. Él joven se enamora de su compañera de trabajo, una chica inglesa (de esas que hablan muy muy rápido y a las que a los extranjeros nos es casi imposible entender) desenvuelta y elocuente, pero comprometida en matrimonio y sin haberse fijado nunca sexualmente en el joven. El joven, que además de sinestésico es extremadamente tímido, necesitará el empujón de un catador de whisky recién llegado de Escocia para lanzarse y mostrar sus sentimientos a la chica.
“The Whisky Taster” se vale de cuatro personajes para contarnos su historia: el joven, la chica, el catador de whisky y el jefe de la agencia de publicidad. Cada personaje –y cada actor- brilla por su marcada personalidad y caracterización. El actor que interpreta al joven sinestésico muestra desde el principio su doble cara de compañero y enamorado, con rasgos casi femeninos que luego tomarán relevancia. Ella, entusiasta y locuaz, es capaz de intentar engañar a los demás personajes, pero no al público que lee en sus ojos y sus cigarros todos sus sentimientos. En cuanto al catador de whisky, cuando aparece en escena con su falda escocesa, sus piernas peludas y su marcado acento escocés, uno se da cuenta de por qué han etiquetado la obra de “comedia”. En resumidas cuentas, un trabajo actoral intachable, un texto bastante bueno –con momentos de sobresaliente, como el monólogo del protagonista sobre el plano de las líneas del metro de Londres–, y un decorado simple, adecuado a los tiempos del teatro actual: unos tubos de neón de colores (todos ellos con los colores de las líneas del metro londinense), formando una caja en la que se desarrolla la acción. Los colores de los tubos cambiaban para intentar plasmar los sentimientos del joven sinestésico, haciendo así partícipe al público de la experiencia de colorear sabores y sentimientos.
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