Delicias de Salón
Entramos en la Tabacalera sin saber exactamente lo que nos vamos a encontrar. La programación decía……., instalación teatral. Cuando llegamos ya es tarde para entrar en la sesión de las nueve, así que nos apuntan en la lista de espectadores para la “función” de las diez. A las diez en punto nosotros, junto a un montón más de potenciales espectadores, estamos en el patio central de la Tabacalera esperando a que algo pase. El qué no se sabrá hasta que unos minutos después los actores comiencen a salir de su escondite y elijan a los que serán sus primeros espectadores de la noche. Nos dan la mano y nos conducen al interior de unas pequeñas carpas blancas. Cuando yo llego, los espectadores que compartirán conmigo esta experiencia teatral están ya allí. Son cinco: la chica joven que viene acompañada de un señor inglés, un joven rapado, una mujer rubia y otra chica con aires bohemios. No sabemos qué va a pasar ni cuándo pasará. El actor que nos ha elegido entra. Empieza a hablar, cuenta una historia. Está cerca de nosotros, tan cerca que en la ruptura de barreras entre actor-espectador el espectador se ve intimidado y, aunque sienta con mayor intensidad, se ve incapacitado para expresar sus emociones. Sólo silencio. Un solemne y duro silencio. Suena una campanilla. El actor se va, entra una chica, otra nueva historia. Una foto entregada a uno de los espectadores. Es fácil sentir la comunión del sentimiento, sin embargo tanta luz, tanta cercanía, tanto intento de verdad en la experiencia nos incapacitan, en cierto modo, para transmitir nuestras emociones mientras las vamos experimentando. Campanita, nuevo actor, nueva historia, así hasta seis veces. Cada actor entra en la carpa, se sienta en el taburete blanco cercano a nosotros y nos cuenta algo. Una historia, una reflexión, algo. Ese algo, narrativo o no, está cargado de sentimientos y sensaciones multiplicados por mil gracias a la interpretación y la cercanía. Pero allí estamos, inmóviles, algún comentario, alguna sonrisa, algún movimiento de cabeza ante el monólogo que no sabemos si requiere por nuestra parte respuesta. Dudamos, sentimos y asentimos. Campanita final y salimos de allí suponiendo que cada actor interpretaba una parte y que iba cambiando de carpa para hacer en cada una lo mismo. Pronto descubrimos que no, que en verdad se trataba de una misma historia siendo contada a la vez por personas distintas en distintos lugares pero en todos a un tiempo. El público sonríe y aplaude. Encontramos de nuevo a nuestros amigos y preguntamos que qué tal. Pese a que nadie puede explicarte el exacto porqué, todo el mundo dice que bien, que muy bien. Quizá porque el texto era pura poesía, quizá por la cercanía, quizás por las sensaciones creadas que te dejaban flotando en una nube y no hasta mucho tiempo después conseguías bajar a tierra.
19/5/11
Enemigos Públicos
Enemigos Públicos.
Cine negro del 2000. Se trata de un biopic sobre John Dilinger, un atracador de bancos muy mediático que llevó loca a toda América del este. En esta película vemos cómo es perseguido por un agente de FBI.
Dirigida por el policiaco Michael Mann, director de títulos como Heat o Miami Vice. Queda dentro de su estilo personal y les da juego a actores consagrados como Johnny Depp o Cristian Bale, los cuales hacen unas interpretaciones bastante correctas, demostrando el portentoso talento y trabajo que llevan a sus espaldas. La ambientación es perfecta, los años treinta nunca se vieron mejores ni tan espectaculares.
Un fotografía en general excelente. No obstante, pero momentos de oscuridad que la luz no es la adecuada, sobre todo al final, lo cual debería haber sido previsto por el director. Además, hay zooms extraños, son zooms y cámara al hombro al mismo tiempo, lo cual marea y desconcierta un poco al público.
Se le coge cariño al personaje de Depp, pues demuestra ternura y seguridad, con ellos consigue maravillar pero no eclipsar a una maravillosa Marion Cotillard.
Una buena película para pasar una entretenida tarde.
Muy recomendable sobre todo por las interpretaciones.
Cine negro del 2000. Se trata de un biopic sobre John Dilinger, un atracador de bancos muy mediático que llevó loca a toda América del este. En esta película vemos cómo es perseguido por un agente de FBI.
Dirigida por el policiaco Michael Mann, director de títulos como Heat o Miami Vice. Queda dentro de su estilo personal y les da juego a actores consagrados como Johnny Depp o Cristian Bale, los cuales hacen unas interpretaciones bastante correctas, demostrando el portentoso talento y trabajo que llevan a sus espaldas. La ambientación es perfecta, los años treinta nunca se vieron mejores ni tan espectaculares.
Un fotografía en general excelente. No obstante, pero momentos de oscuridad que la luz no es la adecuada, sobre todo al final, lo cual debería haber sido previsto por el director. Además, hay zooms extraños, son zooms y cámara al hombro al mismo tiempo, lo cual marea y desconcierta un poco al público.
Se le coge cariño al personaje de Depp, pues demuestra ternura y seguridad, con ellos consigue maravillar pero no eclipsar a una maravillosa Marion Cotillard.
Una buena película para pasar una entretenida tarde.
Muy recomendable sobre todo por las interpretaciones.
El Imaginario del Dr. Parnassus
El Imaginario del Dr. Parnassus
Cuenta la historia del Dr. Parnassus y su extraordinario ‘Imaginario’, un show itinerante donde el público tiene la irresistible oportunidad de elegir entre la luz y la alegría, o entre la oscuridad y la tristeza. Éste viaja con su hija Valentina, un enano y un joven, el cual esta enamorado de Valentina.
El Doctor Parnassus posee el extraordinario don de guiar la imaginación de los demás, pero sobre él recae una oscura maldición secreta. Jugador empedernido, miles de años atrás hizo una apuesta con el demonio, con la que se ganó la inmortalidad. Siglos más tarde, al conocer a su amor verdadero, Dr. Parnassus hizo otro trato con el diablo, comerciando su inmortalidad por su juventud, con la condición de que cuando su hija Valentina alcanzara la edad de 16 años pasara a ser propiedad del demonio.
Valentina está cada vez más cerca de esta importante fecha y el Dr. Parnassus está desesperado por protegerla de su inminente destino. El diablo se presenta para llevársela, pero como siempre está dispuesto a hacer una nueva apuesta, el teatro se renegocia. Parnassus y el diablro acuerdan que se quedará con Valentina el que primero seduzca a cinco almas.
En su viaje, el protagonista recluta a un hombre que se gana rápidamente el cariño de Valentina, haciendo un sentimiento de envidia al enamorado de la misma, y el Dr. Parnassus entregará únicamente la mano de su hija a aquel que le ayude a ganar.
Película protagonizada por un fallecido Heath Ledger y Johnny Deep, Collin Farrel y Jude Law, haciendo las diferentes transformaciones en el mismo personaje que Ledger. Dirigida por, un siempre fantasioso, Terry Gilliam ( Brazil, 12 monos…).
La película tiene toques bastantes surrealistas tanto en el guión, como en los escenarios usados, que rozan el ámbito Daliniano, mezclado a su vez con un escenario de teatro ambulante de poca monta. Lo que más sobresale son los escenarios inverosímiles dentro del imaginario.
La imaginación y los secretos son los pilares maestros de esta película, ya que a base de imaginación funciona el imaginario, y a base de secretos surge así mismo un poderoso conflicto entre los personajes. La cinta también tiene ciertas alegorías teatrales ya que se pueden ver perfectamente como los personajes usan diferentes estilos de diferentes épocas del teatro para representarlo, Kabuki, teatro veneciano, Griego, Barroco, etc…
También una doble moral esta presente en esta película, la de lo que quiero hacer y la de lo que realmente está bien hecho.
Cuenta la historia del Dr. Parnassus y su extraordinario ‘Imaginario’, un show itinerante donde el público tiene la irresistible oportunidad de elegir entre la luz y la alegría, o entre la oscuridad y la tristeza. Éste viaja con su hija Valentina, un enano y un joven, el cual esta enamorado de Valentina.
El Doctor Parnassus posee el extraordinario don de guiar la imaginación de los demás, pero sobre él recae una oscura maldición secreta. Jugador empedernido, miles de años atrás hizo una apuesta con el demonio, con la que se ganó la inmortalidad. Siglos más tarde, al conocer a su amor verdadero, Dr. Parnassus hizo otro trato con el diablo, comerciando su inmortalidad por su juventud, con la condición de que cuando su hija Valentina alcanzara la edad de 16 años pasara a ser propiedad del demonio.
Valentina está cada vez más cerca de esta importante fecha y el Dr. Parnassus está desesperado por protegerla de su inminente destino. El diablo se presenta para llevársela, pero como siempre está dispuesto a hacer una nueva apuesta, el teatro se renegocia. Parnassus y el diablro acuerdan que se quedará con Valentina el que primero seduzca a cinco almas.
En su viaje, el protagonista recluta a un hombre que se gana rápidamente el cariño de Valentina, haciendo un sentimiento de envidia al enamorado de la misma, y el Dr. Parnassus entregará únicamente la mano de su hija a aquel que le ayude a ganar.
Película protagonizada por un fallecido Heath Ledger y Johnny Deep, Collin Farrel y Jude Law, haciendo las diferentes transformaciones en el mismo personaje que Ledger. Dirigida por, un siempre fantasioso, Terry Gilliam ( Brazil, 12 monos…).
La película tiene toques bastantes surrealistas tanto en el guión, como en los escenarios usados, que rozan el ámbito Daliniano, mezclado a su vez con un escenario de teatro ambulante de poca monta. Lo que más sobresale son los escenarios inverosímiles dentro del imaginario.
La imaginación y los secretos son los pilares maestros de esta película, ya que a base de imaginación funciona el imaginario, y a base de secretos surge así mismo un poderoso conflicto entre los personajes. La cinta también tiene ciertas alegorías teatrales ya que se pueden ver perfectamente como los personajes usan diferentes estilos de diferentes épocas del teatro para representarlo, Kabuki, teatro veneciano, Griego, Barroco, etc…
También una doble moral esta presente en esta película, la de lo que quiero hacer y la de lo que realmente está bien hecho.
10/5/11
Weeds
Weeds
Estados Unidos
6 Temporadas, 59 Episodios
Creada por Jenji Kohan
Con Mary-Louise Parker, Elizabeth Perkins, Hunter Parrish, Alexander Gould y Alle Grant
Parece que últimamente las madres estadounidenses han tomado el poder en lo que a series se refiere. He aquí Weeds donde, al igual que en The United States of Tara, una madre es la protagonista sobre la cuál gira otra comedia de humor ácido entorno a otra familia disfuncional.
Mary-Louise Parker es Nancy Botwin, madre de familia de mediana edad que acaba de quedar viuda y, para no bajar su nivel de vida, decide hacerse traficante. Nancy trafica con marihuana en su propio barrio, una zona residencial llamada Agrestic llena de familias de clase media-alta entre las que Nancy encontrará más que numerosos compradores. Nancy tendrá que tratar tanto con clientes como con proveedores que le suministrarán la hierba, lo que la hace moverse en ambientes en los que una mujer de su condición nunca habría imaginado.
Ser madre de familia y traficante no es para nada tarea fácil. Nancy tendrá que distribuir su tiempo entre sus dos hijos, Silas y Shane, así como mantener un ojo en Andrew, su conflictivo cuñado, el hermano pequeño del difunto esposo de Nancy, quien se va a vivir con ellos tras la muerte de su hermano. En más de una ocasión la protagonista se ve dividida por su papel de madre y su condición de traficante, lo que la llevará a afrontar situaciones comprometidas en las que tendrá que elegir entre su moral o su negocio.
Otros personajes importantes en la serie son Doug Wilson, concejal de Agrestic y que acabará siendo socio de Nancy, y Heylia James, la traficante negra que provee de “material” a Nancy y en cuya casa tienen lugar algunos de los momentos más complicados y turbios de la serie.
Trapicheo, cultivo de marihuana, panaderías que cocinan pasteles de hierba, y casi todo lo que pueda estar relacionado con la venta y consumo de marihuana, serán los negocios en los que Nancy se embarque en mitad de la aparentemente inocente y conservadora Agrestic, un lugar en el que, como bien dice la canción Little Boxes acertadamente elegida como sintonía de la serie, hay doctores, abogados, ejecutivos que parecen todos iguales y metidos en cajitas , pero cuyas diferencias se demostrarán con creces.
Estados Unidos
6 Temporadas, 59 Episodios
Creada por Jenji Kohan
Con Mary-Louise Parker, Elizabeth Perkins, Hunter Parrish, Alexander Gould y Alle Grant
Parece que últimamente las madres estadounidenses han tomado el poder en lo que a series se refiere. He aquí Weeds donde, al igual que en The United States of Tara, una madre es la protagonista sobre la cuál gira otra comedia de humor ácido entorno a otra familia disfuncional.
Mary-Louise Parker es Nancy Botwin, madre de familia de mediana edad que acaba de quedar viuda y, para no bajar su nivel de vida, decide hacerse traficante. Nancy trafica con marihuana en su propio barrio, una zona residencial llamada Agrestic llena de familias de clase media-alta entre las que Nancy encontrará más que numerosos compradores. Nancy tendrá que tratar tanto con clientes como con proveedores que le suministrarán la hierba, lo que la hace moverse en ambientes en los que una mujer de su condición nunca habría imaginado.
Ser madre de familia y traficante no es para nada tarea fácil. Nancy tendrá que distribuir su tiempo entre sus dos hijos, Silas y Shane, así como mantener un ojo en Andrew, su conflictivo cuñado, el hermano pequeño del difunto esposo de Nancy, quien se va a vivir con ellos tras la muerte de su hermano. En más de una ocasión la protagonista se ve dividida por su papel de madre y su condición de traficante, lo que la llevará a afrontar situaciones comprometidas en las que tendrá que elegir entre su moral o su negocio.
Otros personajes importantes en la serie son Doug Wilson, concejal de Agrestic y que acabará siendo socio de Nancy, y Heylia James, la traficante negra que provee de “material” a Nancy y en cuya casa tienen lugar algunos de los momentos más complicados y turbios de la serie.
Trapicheo, cultivo de marihuana, panaderías que cocinan pasteles de hierba, y casi todo lo que pueda estar relacionado con la venta y consumo de marihuana, serán los negocios en los que Nancy se embarque en mitad de la aparentemente inocente y conservadora Agrestic, un lugar en el que, como bien dice la canción Little Boxes acertadamente elegida como sintonía de la serie, hay doctores, abogados, ejecutivos que parecen todos iguales y metidos en cajitas , pero cuyas diferencias se demostrarán con creces.
The United States of Tara
The United States of Tara (Los Estados Unidos de Tara)
Creada por Diablo Cody y producida por Steven Spielberg
3 temporadas, 32 capítulos.
Con Toni Collette, Rosemarie DeWitt, John Corbett, Brie Larson y Keir Gilchrist.
Que la última serie producida por Spielberg se llame The Unites States of Tara no es algo casual. Tara es, en efecto, su protagonista, un ama de casa estadounidense que padece un desorden de personalidad disociativa y bajo cuya presencia física irán apareciendo los distintos personajes que conforman sus estados unidos particulares. La serie comienza cuando Tara decide abandonar su tratamiento para intentar encontrar la causa de su enfermedad.
Lo curioso de los primeros personajes que conforman la personalidad múltiple de la protagonista es que son encarnaciones de los más arraigados prototipos norteamericanos: T es la típica adolescente animadora y un poco tonta que hemos visto en tantas películas holliwodienses, Back es un veterano de la guerra de Vietnam que ha sucumbido al alcoholismo y viste siempre con raídas camisas y, por último, Alice, la perfecta ama de casa americana con sus vestidos a cuadros que prepara suculentas tartas y no descuida jamás el hogar.
Estos tres personajes que aparecen de forma aleatoria en la Tara normal parecen funcionar a modo de sinécdoque de lo que se nos ha venido vendiendo a lo largo de los años como los clichés más típicamente americanos. No obstante, en las siguientes temporadas esta sinécdoque se romperá, añadiéndose a estos trastornos de Tara nuevas personalidades menos enraizados en esta imagen típicamente americana. Este será el caso de Chicken, una pequeña de cinco años que simbolizará la infancia de la protagonista, así como de Shoshana Shoabaum, una terapeuta hippie.
La familia de Tara, su marido, sus dos hijos y su hermana, serán los que padezcan más de cerca las consecuencias de la enfermedad materna, teniendo que lidiar con los distintos personajes en cada episodio y luchando por mantenerse fieles a la Tara original. The United States of Tara se desarrolla, en efecto, en el seno de la vida familiar, dando lugar a una singular comedia familiar de humor negro que es un buen ejemplo de las tan de moda familias disfuncionales como la que encontramos en la pelícua Little Miss Sunshine o en otras series como Weeds.
Creada por Diablo Cody y producida por Steven Spielberg
3 temporadas, 32 capítulos.
Con Toni Collette, Rosemarie DeWitt, John Corbett, Brie Larson y Keir Gilchrist.
Que la última serie producida por Spielberg se llame The Unites States of Tara no es algo casual. Tara es, en efecto, su protagonista, un ama de casa estadounidense que padece un desorden de personalidad disociativa y bajo cuya presencia física irán apareciendo los distintos personajes que conforman sus estados unidos particulares. La serie comienza cuando Tara decide abandonar su tratamiento para intentar encontrar la causa de su enfermedad.
Lo curioso de los primeros personajes que conforman la personalidad múltiple de la protagonista es que son encarnaciones de los más arraigados prototipos norteamericanos: T es la típica adolescente animadora y un poco tonta que hemos visto en tantas películas holliwodienses, Back es un veterano de la guerra de Vietnam que ha sucumbido al alcoholismo y viste siempre con raídas camisas y, por último, Alice, la perfecta ama de casa americana con sus vestidos a cuadros que prepara suculentas tartas y no descuida jamás el hogar.
Estos tres personajes que aparecen de forma aleatoria en la Tara normal parecen funcionar a modo de sinécdoque de lo que se nos ha venido vendiendo a lo largo de los años como los clichés más típicamente americanos. No obstante, en las siguientes temporadas esta sinécdoque se romperá, añadiéndose a estos trastornos de Tara nuevas personalidades menos enraizados en esta imagen típicamente americana. Este será el caso de Chicken, una pequeña de cinco años que simbolizará la infancia de la protagonista, así como de Shoshana Shoabaum, una terapeuta hippie.
La familia de Tara, su marido, sus dos hijos y su hermana, serán los que padezcan más de cerca las consecuencias de la enfermedad materna, teniendo que lidiar con los distintos personajes en cada episodio y luchando por mantenerse fieles a la Tara original. The United States of Tara se desarrolla, en efecto, en el seno de la vida familiar, dando lugar a una singular comedia familiar de humor negro que es un buen ejemplo de las tan de moda familias disfuncionales como la que encontramos en la pelícua Little Miss Sunshine o en otras series como Weeds.
Everything is Illuminated (Todo está Iluminado)
Everything is Illuminated (Todo está Iluminado)
Jonathan Safran Foer, 2002
Lumen
Todo está Iluminado no cuenta una historia, sino muchas, y todas a la vez aunque no al mismo tiempo. Un joven americano llega a Ucrania, lugar tantas veces olvidado, en busca de Augustine, la mujer que salvó a su abuelo de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. La “Jewish Heritage Tours”, una empresa familiar que básicamente se dedica a llevar a turistas judíos adonde una vez vivieron sus antepasados antes de la masacre nazi, lo acompañará en su búsqueda. Lejos de ser una sofisticada empresa de viajes organizados, la “Jewish Heritage Tours” está formada por Sasha, el abuelo conductor, Alex, un joven cuyo inglés deja bastante que desear pero que da lugar a confusiones la mar de graciosas, que hará las veces de traductor y amigo; por último, Samy David Junior Junior, como fastidiosa mascota y compañera de viaje.
La búsqueda no está exenta de propósito, sino que Jonathan –que pretende ser la misma persona que el autor de la novela –quiere escribir un libro. La aventura del joven Jonathan en Ucrania es narrada por Alex, en su insólito inglés. Intercaladas encontramos las cartas llenas de sueños e inapropiados consejos que Alex envía a Jonathan en América. Todo esto entretejido con las historias sobre la vieja Trachimbrod, lugar al que se dirigen y en el que supuestamente vivió el abuelo de Jonathan.
Si bien las partes narradas por Alex hacen estallar en carcajadas, es en las historias sobre Trachimbrod donde encontramos los pasajes más literarios y bellos del libro, entre los que encontramos las historias de Brod -la joven más inteligente y codiciada de todo Trachimbrod-, y su padrastro Yanquel; Brod y su amor con y por el Kolker a través del agujero del muro que los separaba; Safran –abuelo del protagonista-, y su delirio por la jovencita gitana con la que hace mil veces el amor sobre las piedras; el “Libro de los Antepasados”, donde se cuenta la historia de todos y cada uno de los habitantes de Trachimbrod.
Al comienzo de la novela las historias son tan divertidas y, en cierto modo, inocentes, que nada puede hacer sospechar el nivel de crudeza que se alcanza una vez entrados de lleno en el recuerdo de la guerra. Una guerra que, como bien dice la novela, “no gusta ni a los que ganan, porque las guerras no gustan a nadie”. Horrible maestría en el uso del lenguaje de Foer al narrar escenas de dolor desgarrado, de pérdida, de traición, de supervivencia.
Foer juega con el uso de las voces narrativas y no se limita a crear una novela de guerra, ni una –o muchas- historia de amor, sino que intenta explicarnos, como el título sugiere, que todo está iluminado. Sin duda, Todo está Iluminado es una ventana más a la que asomarse en el mundo de la narrativa contemporánea.
Jonathan Safran Foer, 2002
Lumen
Todo está Iluminado no cuenta una historia, sino muchas, y todas a la vez aunque no al mismo tiempo. Un joven americano llega a Ucrania, lugar tantas veces olvidado, en busca de Augustine, la mujer que salvó a su abuelo de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. La “Jewish Heritage Tours”, una empresa familiar que básicamente se dedica a llevar a turistas judíos adonde una vez vivieron sus antepasados antes de la masacre nazi, lo acompañará en su búsqueda. Lejos de ser una sofisticada empresa de viajes organizados, la “Jewish Heritage Tours” está formada por Sasha, el abuelo conductor, Alex, un joven cuyo inglés deja bastante que desear pero que da lugar a confusiones la mar de graciosas, que hará las veces de traductor y amigo; por último, Samy David Junior Junior, como fastidiosa mascota y compañera de viaje.
La búsqueda no está exenta de propósito, sino que Jonathan –que pretende ser la misma persona que el autor de la novela –quiere escribir un libro. La aventura del joven Jonathan en Ucrania es narrada por Alex, en su insólito inglés. Intercaladas encontramos las cartas llenas de sueños e inapropiados consejos que Alex envía a Jonathan en América. Todo esto entretejido con las historias sobre la vieja Trachimbrod, lugar al que se dirigen y en el que supuestamente vivió el abuelo de Jonathan.
Si bien las partes narradas por Alex hacen estallar en carcajadas, es en las historias sobre Trachimbrod donde encontramos los pasajes más literarios y bellos del libro, entre los que encontramos las historias de Brod -la joven más inteligente y codiciada de todo Trachimbrod-, y su padrastro Yanquel; Brod y su amor con y por el Kolker a través del agujero del muro que los separaba; Safran –abuelo del protagonista-, y su delirio por la jovencita gitana con la que hace mil veces el amor sobre las piedras; el “Libro de los Antepasados”, donde se cuenta la historia de todos y cada uno de los habitantes de Trachimbrod.
Al comienzo de la novela las historias son tan divertidas y, en cierto modo, inocentes, que nada puede hacer sospechar el nivel de crudeza que se alcanza una vez entrados de lleno en el recuerdo de la guerra. Una guerra que, como bien dice la novela, “no gusta ni a los que ganan, porque las guerras no gustan a nadie”. Horrible maestría en el uso del lenguaje de Foer al narrar escenas de dolor desgarrado, de pérdida, de traición, de supervivencia.
Foer juega con el uso de las voces narrativas y no se limita a crear una novela de guerra, ni una –o muchas- historia de amor, sino que intenta explicarnos, como el título sugiere, que todo está iluminado. Sin duda, Todo está Iluminado es una ventana más a la que asomarse en el mundo de la narrativa contemporánea.
Fringe- Festival de Teatro de Edinburgo
Hamlet, the end of a Childhood
23/08/2010 The Zoo, Fringe Festival, Edinburgh
“Hamlet, the end of a Childhood” es la excusa con la que Ned Grujic –director y dramaturgo-, carga sobre los hombros de Thomas Marceul el dramón shakesperiano al completo. Un solo actor para una obra maestra. Si ya de por sí el papel de Hamlet supone un reto para cualquiera, acarrear con la obra al completo es todo un desafío a las fuerzas de la naturaleza. ¿Qué cómo se consigue salir airoso de tal desafío? Como de casi todo en esta vida, jugando. La tragedia de Shakespeare es transportada al cuarto de un niño que, afectado por la partida de su padre y la pronta sustitución de éste que hace su madre, lo llevan a transformar su habitación en el escenario de juego de un Hamlet donde las almohadas harán las veces del rey y la reina, un cojín hará las veces de Polonio, Ofelia simplemente un abanico rojo, el sediento de venganza Laertes un guante ajado, los soldados unos actionman y Horacio, no podía ser de otra manera, fiel amigo en forma de osito de peluche. Una actuación intachable la que Thomas lleva a cabo, suda y hace disfrutar al público. Toda una demostración de cómo se puede jugar con los clásicos y cargar todo su peso sobre los hombros de un solo hombre.
The Dusty Limits
23/08/2010 The Famous Spiegeltent, Fringe Festival, Edinburgh
Sin saber muy bien cómo acabo en el Famous Spiegeltent –la carpa circense del Fringe-, viendo a the Picture of Dusty Limits. Me encuentro de repente sentada en un teatro-bar con tres personas más compartiendo mesa a la espera de un espectáculo de cabaret y variedades. El cantante-performer Dorian Black bien sabe llevarse al público al bolsillo con su primera aparición. Canta clásicos, cambia la letra de algunas canciones haciendo que el público estalle en carcajadas. Seductor a más no poder, de sexualidad ambigua. Qué digo ambigua, ambivalente, seduciendo a hombres y mujeres a partes iguales. Buena voz y carisma hacen que babeemos a sus pies. Después de esto ya sólo puedes querer que tu vida sea un vodevil. Oh, sí, mamá, quiero ser cabaretera.
The Invisible Atom
23/08/2010 Hill Street Theatre, Fringe Festival, Edinburgh
Una sala pequeña, apenas un metro cuadrado para actuar, pero que sirve para tanto… “The Invisible Atom” es una extraña historia sobre un joven de éxito que tendrá que afrontar problemas conforme vaya creciendo. El único actor en escena hará de dicho joven, pero también de su jefe, su mujer, su padre e incluso su hija en brazos. Sus dedos son sueños, marionetas que escenifican una escena irreal en la que, sin embargo, creemos. Una muestra brillante de interpretación al desnudo. Carne y sudor en estado puro. Teatro.
The inconsiderate aberrations of Billy the Kid
23/08/2010 Bedlam Theatre, Fringe Festival, Edinburgh
El Fringe es estar en un teatro y hablar sobre el festival con la gente que vas encontrando. Qué has visto, qué recomiendas. De repente estás montada en un taxi rumbo al Bedlam Theatre, iglesia reconstruida en teatro para la ocasión. Así llegamos a estas inconsideradas aberraciones de Billy the kid. Una ópera rock de risa y absurdo desenfrenados. El asesinato de su propia madre, el cadáver de la misma como marioneta, la repartidora de pizzas que llega una noche y se queda ara siempre, lesbianas feministas, penes gigantes, un feto que fue abortado pero que recuerda la canción de los Beatles que aprendió en el seno materno. Todo esto y rock ruidoso, y caspa, humor absurdo (que no fácil), grosero incluso a veces, políticamente incorrecto casi todo el tiempo. Pero es que en el Fringe –y en la vida- no hay que tomarse nada demasiado en serio. ¿Demasiado he dicho? Más bien, nada. The Inconsiderate aberrations of Billy the Kid no dejan títere con cabeza.
Kafka and Son
24/08/2010 Bedlam Theatre, Fringe Festival, Edinburgh
Asombrosa aproximación a la relación de Kafka con su padre. Tensión, miedo, frustración, todos los sentimientos que un hijo puede experimentar para temer a su padre. En forma carta, Kafka conversa consigo mismo y nos muestra todas las razones por las cuales odia a su padre. Escenario negro, actor en traje de twid pero descalzo, plumas negras, jaulas, un somier ajado, rejas, más y más plumas negras, sombras. Un Kafka al desnudo con tanta profundidad como sus escritos.
Do we look like refugees?!
24/08/2010 Assembly @ George Street, Fringe Festival, Edinburgh
“Do we look like refugees” pone en escena las confesiones de unos georgianos tras la invasión rusa de su país. Lo primero que llama la atención del espectador son los auriculares que todos los actores llevan puestos y en los que se puede apreciar que están escuchando algo. Esto pronto se ve justificado en escena, cuando los actores dicen que escuchan testimonios reales de inmigrantes georgianos que grabaron para reproducir los testimonios tal y como sucedieron, lo cual hace que la obra pase de ser simpática a tratarse de un interesante experimento en el que se lleva al escenario una situación supuestamente real al pie de la letra. Pese a estar interpretada casi en su totalidad en georgiano, se nota a la legua que la interpretación es fresca, alegre al igual que alegres son los personajes pese a lo nefasto de la situación.
Shakespeare for Breakfast
25/08/2010 C Theatre, Fringe Festival, Edinburgh
Yo fui por los cruasanes.
He de reconocer que yo fui tentada por la idea de desayunar delante de un Shakespeare. Café o té a la entrada y un cruasán esperando en la butaca daban la bienvenida a “Shakespeare for Breakfast”. Si bien podría haber tenido cualquier otro título de no haber sido por la hora del espectáculo –las diez de la mañana-, y el aliciente de los cruasanes y el café (reclamo que por cierto funciona a esa hora de la mañana), “Shakespeare for Breakfast” es básicamente una revisión de “King Lear” llevado a los platós de televisión de programas ingleses y mezclado con versiones de canciones pop para dar cuerpo a un King Lear fresco, renovado, más burlón que de costumbre y, cómo no, matutino.
The love of a clown
25/08/2010 C Soco, Fringe Festival, Edinburgh
Un payaso ya jubilado a sus 40 años, antes de que “the joke is old”, nos cuenta algunas de los hechos más importantes de su vida. Cómo la viuda que esperaba cada noche la llegada de su marido en la misma mesa del mismo bar de París le preguntó un día si había estado alguna vez enamorado y le dijo que esperase dándole una flor, porque el amor es una flor fragante y pequeña. Cómo ese caballero que nunca hablaba pero que siempre iba acompañado por alguna jovencita le dejó en herencia a Michel, su perro, en agradecimiento por un espectáculo callejero que el payaso había creado especialmente para él. Cómo entró a trabajar en el Gran Circo, pero sobre todo cómo se enamoró de la trapecista recién llegada de Rusia. Él le dejaba una rosa en el trapecio atada con un lazo rojo cada noche cuando ella se disponía a ensayar. Cómo él la observaba escondido, cómo ella se volvió hacia él una de esas noches y así comenzaron a amarse. Cómo cuando por un error en la pista ella cayó del trapecio y pese a que sobrevivió a la caída no pudo ya volar nunca más. Cómo un día ella le pregunto si se iría con ella a otro lugar lejos del circo porque ya no podía vivir allí. Y él dijo que sí pero aún así ella se desvaneció. Cómo aún él la busca por cada calle de París, cómo sabe que su risa no es ninguna de las risas que ya no escucha. Cómo él eligió el amor. Pobre payaso roto.
23/08/2010 The Zoo, Fringe Festival, Edinburgh
“Hamlet, the end of a Childhood” es la excusa con la que Ned Grujic –director y dramaturgo-, carga sobre los hombros de Thomas Marceul el dramón shakesperiano al completo. Un solo actor para una obra maestra. Si ya de por sí el papel de Hamlet supone un reto para cualquiera, acarrear con la obra al completo es todo un desafío a las fuerzas de la naturaleza. ¿Qué cómo se consigue salir airoso de tal desafío? Como de casi todo en esta vida, jugando. La tragedia de Shakespeare es transportada al cuarto de un niño que, afectado por la partida de su padre y la pronta sustitución de éste que hace su madre, lo llevan a transformar su habitación en el escenario de juego de un Hamlet donde las almohadas harán las veces del rey y la reina, un cojín hará las veces de Polonio, Ofelia simplemente un abanico rojo, el sediento de venganza Laertes un guante ajado, los soldados unos actionman y Horacio, no podía ser de otra manera, fiel amigo en forma de osito de peluche. Una actuación intachable la que Thomas lleva a cabo, suda y hace disfrutar al público. Toda una demostración de cómo se puede jugar con los clásicos y cargar todo su peso sobre los hombros de un solo hombre.
The Dusty Limits
23/08/2010 The Famous Spiegeltent, Fringe Festival, Edinburgh
Sin saber muy bien cómo acabo en el Famous Spiegeltent –la carpa circense del Fringe-, viendo a the Picture of Dusty Limits. Me encuentro de repente sentada en un teatro-bar con tres personas más compartiendo mesa a la espera de un espectáculo de cabaret y variedades. El cantante-performer Dorian Black bien sabe llevarse al público al bolsillo con su primera aparición. Canta clásicos, cambia la letra de algunas canciones haciendo que el público estalle en carcajadas. Seductor a más no poder, de sexualidad ambigua. Qué digo ambigua, ambivalente, seduciendo a hombres y mujeres a partes iguales. Buena voz y carisma hacen que babeemos a sus pies. Después de esto ya sólo puedes querer que tu vida sea un vodevil. Oh, sí, mamá, quiero ser cabaretera.
The Invisible Atom
23/08/2010 Hill Street Theatre, Fringe Festival, Edinburgh
Una sala pequeña, apenas un metro cuadrado para actuar, pero que sirve para tanto… “The Invisible Atom” es una extraña historia sobre un joven de éxito que tendrá que afrontar problemas conforme vaya creciendo. El único actor en escena hará de dicho joven, pero también de su jefe, su mujer, su padre e incluso su hija en brazos. Sus dedos son sueños, marionetas que escenifican una escena irreal en la que, sin embargo, creemos. Una muestra brillante de interpretación al desnudo. Carne y sudor en estado puro. Teatro.
The inconsiderate aberrations of Billy the Kid
23/08/2010 Bedlam Theatre, Fringe Festival, Edinburgh
El Fringe es estar en un teatro y hablar sobre el festival con la gente que vas encontrando. Qué has visto, qué recomiendas. De repente estás montada en un taxi rumbo al Bedlam Theatre, iglesia reconstruida en teatro para la ocasión. Así llegamos a estas inconsideradas aberraciones de Billy the kid. Una ópera rock de risa y absurdo desenfrenados. El asesinato de su propia madre, el cadáver de la misma como marioneta, la repartidora de pizzas que llega una noche y se queda ara siempre, lesbianas feministas, penes gigantes, un feto que fue abortado pero que recuerda la canción de los Beatles que aprendió en el seno materno. Todo esto y rock ruidoso, y caspa, humor absurdo (que no fácil), grosero incluso a veces, políticamente incorrecto casi todo el tiempo. Pero es que en el Fringe –y en la vida- no hay que tomarse nada demasiado en serio. ¿Demasiado he dicho? Más bien, nada. The Inconsiderate aberrations of Billy the Kid no dejan títere con cabeza.
Kafka and Son
24/08/2010 Bedlam Theatre, Fringe Festival, Edinburgh
Asombrosa aproximación a la relación de Kafka con su padre. Tensión, miedo, frustración, todos los sentimientos que un hijo puede experimentar para temer a su padre. En forma carta, Kafka conversa consigo mismo y nos muestra todas las razones por las cuales odia a su padre. Escenario negro, actor en traje de twid pero descalzo, plumas negras, jaulas, un somier ajado, rejas, más y más plumas negras, sombras. Un Kafka al desnudo con tanta profundidad como sus escritos.
Do we look like refugees?!
24/08/2010 Assembly @ George Street, Fringe Festival, Edinburgh
“Do we look like refugees” pone en escena las confesiones de unos georgianos tras la invasión rusa de su país. Lo primero que llama la atención del espectador son los auriculares que todos los actores llevan puestos y en los que se puede apreciar que están escuchando algo. Esto pronto se ve justificado en escena, cuando los actores dicen que escuchan testimonios reales de inmigrantes georgianos que grabaron para reproducir los testimonios tal y como sucedieron, lo cual hace que la obra pase de ser simpática a tratarse de un interesante experimento en el que se lleva al escenario una situación supuestamente real al pie de la letra. Pese a estar interpretada casi en su totalidad en georgiano, se nota a la legua que la interpretación es fresca, alegre al igual que alegres son los personajes pese a lo nefasto de la situación.
Shakespeare for Breakfast
25/08/2010 C Theatre, Fringe Festival, Edinburgh
Yo fui por los cruasanes.
He de reconocer que yo fui tentada por la idea de desayunar delante de un Shakespeare. Café o té a la entrada y un cruasán esperando en la butaca daban la bienvenida a “Shakespeare for Breakfast”. Si bien podría haber tenido cualquier otro título de no haber sido por la hora del espectáculo –las diez de la mañana-, y el aliciente de los cruasanes y el café (reclamo que por cierto funciona a esa hora de la mañana), “Shakespeare for Breakfast” es básicamente una revisión de “King Lear” llevado a los platós de televisión de programas ingleses y mezclado con versiones de canciones pop para dar cuerpo a un King Lear fresco, renovado, más burlón que de costumbre y, cómo no, matutino.
The love of a clown
25/08/2010 C Soco, Fringe Festival, Edinburgh
Un payaso ya jubilado a sus 40 años, antes de que “the joke is old”, nos cuenta algunas de los hechos más importantes de su vida. Cómo la viuda que esperaba cada noche la llegada de su marido en la misma mesa del mismo bar de París le preguntó un día si había estado alguna vez enamorado y le dijo que esperase dándole una flor, porque el amor es una flor fragante y pequeña. Cómo ese caballero que nunca hablaba pero que siempre iba acompañado por alguna jovencita le dejó en herencia a Michel, su perro, en agradecimiento por un espectáculo callejero que el payaso había creado especialmente para él. Cómo entró a trabajar en el Gran Circo, pero sobre todo cómo se enamoró de la trapecista recién llegada de Rusia. Él le dejaba una rosa en el trapecio atada con un lazo rojo cada noche cuando ella se disponía a ensayar. Cómo él la observaba escondido, cómo ella se volvió hacia él una de esas noches y así comenzaron a amarse. Cómo cuando por un error en la pista ella cayó del trapecio y pese a que sobrevivió a la caída no pudo ya volar nunca más. Cómo un día ella le pregunto si se iría con ella a otro lugar lejos del circo porque ya no podía vivir allí. Y él dijo que sí pero aún así ella se desvaneció. Cómo aún él la busca por cada calle de París, cómo sabe que su risa no es ninguna de las risas que ya no escucha. Cómo él eligió el amor. Pobre payaso roto.
As You Like It (Como Gustéis)
Espectáculo: As You Like It (Como gustéis)
Compañía: Royal Shakespeare Company
Dramaturgo: William Shakespeare
Lugar: Courtyard Theatre, Stratford-Upon-Avon
Fecha: 12/08/2010
Dirección: Michael Boyd
Reparto: Charles Aitken, Peter Peverley, Jonjo O´Neil, Peter Shorey, Peter Peverley, Sandy Neilson, Mariah Gale, Katy Stephens, Richard Katz, Ansu Kabia, David Carr, Debbie Korley, Clarence Smith, Dharmesh Patel, James Howard, Formes Masson, Geoffrey Freshwater, James Tucker, Sophie Russel, James Traherne, Christine Entwisle, Dyfan Dwyfor.
Pese a que las obras del archiconocido dramaturgo inglés sean hoy día interpretados a lo largo y ancho del planeta, Inglaterra sigue siendo, sin duda, el lugar de referencia en lo que a puestas en escena de Shakespeare se refiere. Decenas de compañías llevan un año tras otro sus obras a escena, pero si cabe destacar una esa será la Royal Shakespeare Company.
Como Gustéis nos cuenta la historia de Rosalind, quien repudiada por su tío el usurpador duque Frederik, se refugia en el bosque disfrazada de muchacho y haciéndose llamar Ganímedes. Rosalind, bajo la apariencia de Ganímedes, encuentra en el bosque a su amado Orlando y pone a prueba su amor. El que se trate una comedia ya indica que, como buena pieza shakesperiana, acabará en boda y risas.
Como la compañía misma señalan, se trata de un montaje más oscuro que el que propone la obra de Shakespeare. Un escenario mudo, color crema, vacío, de luces tenues bajo las que se desarrolla la historia. Eso sí, un espacio perfecto para que tengan lugar las confusiones, las risas y las breves piezas musicales –melancólicas y de amor- que colorean la obra.
Rosalind, interpretada por Katy Stepehens, consigue cautivar al público con su marcada feminidad cuando interpreta a Rosalind y su pretendida masculinidad cuando hace las veces de Ganímedes. Por su parte, las escenas de pastores en el bosque hacen las delicias de una audiencia que ha acudido al teatro para ver precisamente eso, comedia.
Pese a tratarse de una producción muy correcta, incluso podríamos decir que simpática, hay algo en la obra que no se alcanza. No roza lo sublime, aunque lo ve de lejos e incluso lo pretende cuando aparecen en escena algunas de las frases más míticas de esta obra, como la de “"All the world's a stage,/ And all the men and women merely players;” (El mundo es un gran teatro/ y los hombres y mujeres solo actores), quizá el símil inglés al discurso de Segismundo; o la cita que Shakespeare toma prestada de Marlowe “Who ever loved, that loved not at first sight? “ (“Quién ha amado ha amado a primera vista”). En definitiva, se trata de un clásico interpretado por los expertos en ese clásico. Aunque no roce el cielo es innegable la corrección.
Compañía: Royal Shakespeare Company
Dramaturgo: William Shakespeare
Lugar: Courtyard Theatre, Stratford-Upon-Avon
Fecha: 12/08/2010
Dirección: Michael Boyd
Reparto: Charles Aitken, Peter Peverley, Jonjo O´Neil, Peter Shorey, Peter Peverley, Sandy Neilson, Mariah Gale, Katy Stephens, Richard Katz, Ansu Kabia, David Carr, Debbie Korley, Clarence Smith, Dharmesh Patel, James Howard, Formes Masson, Geoffrey Freshwater, James Tucker, Sophie Russel, James Traherne, Christine Entwisle, Dyfan Dwyfor.
Pese a que las obras del archiconocido dramaturgo inglés sean hoy día interpretados a lo largo y ancho del planeta, Inglaterra sigue siendo, sin duda, el lugar de referencia en lo que a puestas en escena de Shakespeare se refiere. Decenas de compañías llevan un año tras otro sus obras a escena, pero si cabe destacar una esa será la Royal Shakespeare Company.
Como Gustéis nos cuenta la historia de Rosalind, quien repudiada por su tío el usurpador duque Frederik, se refugia en el bosque disfrazada de muchacho y haciéndose llamar Ganímedes. Rosalind, bajo la apariencia de Ganímedes, encuentra en el bosque a su amado Orlando y pone a prueba su amor. El que se trate una comedia ya indica que, como buena pieza shakesperiana, acabará en boda y risas.
Como la compañía misma señalan, se trata de un montaje más oscuro que el que propone la obra de Shakespeare. Un escenario mudo, color crema, vacío, de luces tenues bajo las que se desarrolla la historia. Eso sí, un espacio perfecto para que tengan lugar las confusiones, las risas y las breves piezas musicales –melancólicas y de amor- que colorean la obra.
Rosalind, interpretada por Katy Stepehens, consigue cautivar al público con su marcada feminidad cuando interpreta a Rosalind y su pretendida masculinidad cuando hace las veces de Ganímedes. Por su parte, las escenas de pastores en el bosque hacen las delicias de una audiencia que ha acudido al teatro para ver precisamente eso, comedia.
Pese a tratarse de una producción muy correcta, incluso podríamos decir que simpática, hay algo en la obra que no se alcanza. No roza lo sublime, aunque lo ve de lejos e incluso lo pretende cuando aparecen en escena algunas de las frases más míticas de esta obra, como la de “"All the world's a stage,/ And all the men and women merely players;” (El mundo es un gran teatro/ y los hombres y mujeres solo actores), quizá el símil inglés al discurso de Segismundo; o la cita que Shakespeare toma prestada de Marlowe “Who ever loved, that loved not at first sight? “ (“Quién ha amado ha amado a primera vista”). En definitiva, se trata de un clásico interpretado por los expertos en ese clásico. Aunque no roce el cielo es innegable la corrección.
Romeo and Juliet
Espectáculo: Romeo and Juliet
Compañía: The Royal Ballet
Dirección: Dame Monica Mason
Coreografía: Kenneth MacMillan
Lugar: Royal Opera House, Londres
Fecha: 6 Marzo 2010
Es difícil escribir sobre este espectáculo cuando en realidad no soy lo que se dice público de ballet. No obstante, creo que como espectadora de artes escénicas en general puedo cuanto menos opinar sobre lo sucedido hoy en el escenario de la Royal Opera House de Covent Garden, en el corazón de Londres.
El clásico “Romeo y Julieta” ha sido sabiamente traducido en pasos de baile por la Royal Ballet Company. Medios impecables y teatro lleno, qué decir de eso. Es impresionante el hecho de que se cuelgue cada día el “no hay entradas”, cuando la Royal Opera House no ofrece precisamente espectáculos asequibles a todos los bolsillos, sino que se trata más bien de un clásico divertimento de las clases altas londinenses.
En cuanto al espectáculo, todo ha sido perfecto salvo uno o dos detalles. Bailarines magníficos, escenografía grandiosa y vestuario cuidado al detalle. La primera parte dejó boquiabierto a un público que casi olvida que había venido a ver “Romeo y Julieta” para sumergirse e hipnotizarse con las coreografías y los pasos de ballet clásico. La segunda y tercera parte, que perfectamente podían haber sido una si en este país no existiera la maravillosa costumbre de comer helados y beber champán en los descansos, fueron más narrativas, disminuyendo en ellas los números de baile e incrementando la narración mimada de la historia de los amantes de Verona. No obstante, pese a lo cuidado y sofisticado de la escena y la caracterización en general, cabría señalar el fallo cometido con el personaje fraile, cuya apariencia caía en lo tópico y caricaturesco, rompiendo de forma desafortunada con la estética y elegancia del espectáculo.
Fallos aparte, el punto álgido de esta pieza de ballet fue, sin duda, la danza del desesperado Romeo con el supuesto cadáver de su amada. Si bien antes bailó con ella en vida bajo el balcón de los Capuleto, la inmovilidad del cuerpo de Julieta convierte esta danza de cementerio en un baile muerto y en desolado espectáculo. Julieta no responde a los giros ni las piruetas de su amante, por lo que Romeo decide que es mejor no estar vivo. Cabe destacar también la representación de la muerte a puñal de Julieta, quien se clava el puñal estando en el extremo opuesto del escenario al que descansa el cadáver de su amado, lo que hace inmediatamente al público pensar porqué no mueren juntos. Pero, por supuesto, Julieta no se dejará morir alejada del cuerpo que ama, sino que se arrastra desangrándose en escena hasta que alcanza el cuerpo que más desea y más la ha deseado a ella.
Compañía: The Royal Ballet
Dirección: Dame Monica Mason
Coreografía: Kenneth MacMillan
Lugar: Royal Opera House, Londres
Fecha: 6 Marzo 2010
Es difícil escribir sobre este espectáculo cuando en realidad no soy lo que se dice público de ballet. No obstante, creo que como espectadora de artes escénicas en general puedo cuanto menos opinar sobre lo sucedido hoy en el escenario de la Royal Opera House de Covent Garden, en el corazón de Londres.
El clásico “Romeo y Julieta” ha sido sabiamente traducido en pasos de baile por la Royal Ballet Company. Medios impecables y teatro lleno, qué decir de eso. Es impresionante el hecho de que se cuelgue cada día el “no hay entradas”, cuando la Royal Opera House no ofrece precisamente espectáculos asequibles a todos los bolsillos, sino que se trata más bien de un clásico divertimento de las clases altas londinenses.
En cuanto al espectáculo, todo ha sido perfecto salvo uno o dos detalles. Bailarines magníficos, escenografía grandiosa y vestuario cuidado al detalle. La primera parte dejó boquiabierto a un público que casi olvida que había venido a ver “Romeo y Julieta” para sumergirse e hipnotizarse con las coreografías y los pasos de ballet clásico. La segunda y tercera parte, que perfectamente podían haber sido una si en este país no existiera la maravillosa costumbre de comer helados y beber champán en los descansos, fueron más narrativas, disminuyendo en ellas los números de baile e incrementando la narración mimada de la historia de los amantes de Verona. No obstante, pese a lo cuidado y sofisticado de la escena y la caracterización en general, cabría señalar el fallo cometido con el personaje fraile, cuya apariencia caía en lo tópico y caricaturesco, rompiendo de forma desafortunada con la estética y elegancia del espectáculo.
Fallos aparte, el punto álgido de esta pieza de ballet fue, sin duda, la danza del desesperado Romeo con el supuesto cadáver de su amada. Si bien antes bailó con ella en vida bajo el balcón de los Capuleto, la inmovilidad del cuerpo de Julieta convierte esta danza de cementerio en un baile muerto y en desolado espectáculo. Julieta no responde a los giros ni las piruetas de su amante, por lo que Romeo decide que es mejor no estar vivo. Cabe destacar también la representación de la muerte a puñal de Julieta, quien se clava el puñal estando en el extremo opuesto del escenario al que descansa el cadáver de su amado, lo que hace inmediatamente al público pensar porqué no mueren juntos. Pero, por supuesto, Julieta no se dejará morir alejada del cuerpo que ama, sino que se arrastra desangrándose en escena hasta que alcanza el cuerpo que más desea y más la ha deseado a ella.
Really Old, like Forty Five
Espectáculo: Really Old, like Forty Five
Director: Anna Mackmin
Dramaturgo: Tamsin oglesby
Lugar: Cottesloe Theatre, National Theatre, Londres.
Fecha: 9 Marzo 2010
El Cottesloe Theatre, la más versátil y pequeña de las tres salas del Royal National Theatre acoge desde enero la producción “Really Old, like Forty Five”. Esta obra se desarrolla y narra en dos niveles. Sobre el escenario se cuenta la historia de miembros más o menos cercanos de una misma familia y cómo se enfrentan a problemas como el envejecimiento y la muerte, entre otros. En un segundo piso, un grupo de científicos rodeado de pantallas y ordenadores investiga cómo acabar con los problemas que el número en aumento de ancianos en nuestras sociedad acarrea.
Si bien la primera parte del espectáculo hace pensar que no se trata de nada maravilloso, sino simplemente de una obra correcta, uno de esos espectáculos quizá sólo posibles en Inglaterra, a cuyo público de teatro lo mismo le da quedarse en casa leyendo que pasar una tarde amena en el National Theatre, la segunda llega a cortar la respiración del espectador por algunos segundos. Si bien durante la primera parte los actores dejaban no mucho, pero sí algo que desear, en la segunda, y en caliente, presenciamos una interpretación intachable. En esta segunda parte, la crudeza de la muerte, la enfermedad, el embarazo no deseado de una adolescente y el temor a envejecer se mezclan con la presencia de una enfermera-robot muy conseguida, que hace reír sin remedio al público cuando más de uno ya se creía a la puerta de las lágrimas. La interpretación junto con la mejoría de la historia conforme se acerca el final hacen que el espectador deje el teatro con la sensación de haber visto algo valioso.
Director: Anna Mackmin
Dramaturgo: Tamsin oglesby
Lugar: Cottesloe Theatre, National Theatre, Londres.
Fecha: 9 Marzo 2010
El Cottesloe Theatre, la más versátil y pequeña de las tres salas del Royal National Theatre acoge desde enero la producción “Really Old, like Forty Five”. Esta obra se desarrolla y narra en dos niveles. Sobre el escenario se cuenta la historia de miembros más o menos cercanos de una misma familia y cómo se enfrentan a problemas como el envejecimiento y la muerte, entre otros. En un segundo piso, un grupo de científicos rodeado de pantallas y ordenadores investiga cómo acabar con los problemas que el número en aumento de ancianos en nuestras sociedad acarrea.
Si bien la primera parte del espectáculo hace pensar que no se trata de nada maravilloso, sino simplemente de una obra correcta, uno de esos espectáculos quizá sólo posibles en Inglaterra, a cuyo público de teatro lo mismo le da quedarse en casa leyendo que pasar una tarde amena en el National Theatre, la segunda llega a cortar la respiración del espectador por algunos segundos. Si bien durante la primera parte los actores dejaban no mucho, pero sí algo que desear, en la segunda, y en caliente, presenciamos una interpretación intachable. En esta segunda parte, la crudeza de la muerte, la enfermedad, el embarazo no deseado de una adolescente y el temor a envejecer se mezclan con la presencia de una enfermera-robot muy conseguida, que hace reír sin remedio al público cuando más de uno ya se creía a la puerta de las lágrimas. La interpretación junto con la mejoría de la historia conforme se acerca el final hacen que el espectador deje el teatro con la sensación de haber visto algo valioso.
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